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EL IMPACTO DE LO NUEVO: EL ARTE EN EL SIGLO XX robert-hughes
Titulo
EL IMPACTO DE LO NUEVO: EL ARTE EN EL SIGLO XX
Idioma
Castellano / Español
Categoria
Arte
Editorial
GALAXIA GUTENBERG
Paginas
324
ISBN
8481092991
Comentarios
6
Fecha
Etiquetas
Arte, Historia del arte, Teoría y crítica de arte
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Descripción y Resumen

Nacido de una serie de televisión producida por la BBC, este libro es una visión personal del arte del siglo XX que, en lugar de hacer una historia cronológica de manera tradicional, prefiere articular ocho temas cruciales para comprender la evolución artística del siglo: - El marco mecánico - Las caras del poder - El paisaje del placer - Los problemas de la utopía - El umbral de la libertad - La visión del vacío - La cultura como naturaleza - El futuro que fue.

Información sobre el autor y escritor

ROBERT HUGHES

Robert Studley Forrest Hughes, AO fue un crítico de arte, escritor y documentalista de televisión australiano que ha vivido en Nueva York desde 1970. Estudió en el St Ignatius' College en Riverview, antes de estudiar artes y arquitectura en la Universidad de Sydney. En la universidad, Hughes unió fuerzas con Sydney "Push", un grupo de artistas, escritores, intelectuales y bebedores. Germaine Greer y Clive James formaban parte del grupo. Hughes, un aspirante a artista y poeta, dejó la universidad para convertirse en dibujante y luego en crítico de arte para la revista The Observer, con sede en Sydney, editada por Donald Horne. Fue en esta época cuando escribió una historia de la pintura australiana, titulada El arte de Australia, que todavía se considera una obra importante. Fue publicado en 1966. Hughes también contribuyó brevemente a la versión original de la revista Oz en Sydney y escribió críticas de arte para The Nation y The Sunday Mirror. Hughes dejó Australia para irse a Europa en 1964 y vivió durante algún tiempo en Italia antes de trasladarse a Londres, Inglaterra (1965) donde escribió para The Spectator, The Daily Telegraph, The Times y The Observer, entre otros, y contribuyó a la versión británica de Oz. En 1970, obtuvo el cargo de crítico de arte para la revista TIME y se trasladó a Nueva York. En 1975, con Don Brady, dirigió la narración de la película Protected, un documental sobre la vida de los indígenas australianos en Palm Island. En 1980, la BBC emitió la serie de televisión The Shock of the New, de Hughes, sobre el desarrollo del arte moderno desde los impresionistas. Fue acompañado por un libro del mismo nombre; su combinación de perspicacia, espíritu y accesibilidad sigue siendo muy elogiada. En 1987, el estudio de Hughes sobre las colonias de prisiones británicas y los primeros asentamientos europeos en Australia, The Fatal Shore, se convirtió en un best-seller internacional.hughes comentó sobre el trabajo de Robert Crumb en partes de la película Crumb 1994, llamándola Crumb "the American Breughel". En 1997, su serie de televisión American Visions retrató la historia del arte estadounidense desde la Revolución. Nuevamente despreció mucho del arte reciente; esta vez, el escultor Jeff Koons fue criticado. Australia: Beyond the Fatal Shore (2000) fue una serie de reflexiones sobre la Australia moderna y la relación de Hughes con ella. El documental de Hughes de 2002 sobre el pintor Francisco Goya, Goya: Crazy Like a Genius, fue emitido en la primera noche del servicio digital nacional de la BBC. Hughes creó una actualización de una hora de The Shock of the New. Titulado The New Shock of the New, el programa se emitió por primera vez en 2004. Hughes publicó el primer volumen de sus memorias, Things I Didn't Know, en 2006.
ROBERT HUGHES

Opiniones de los lectores

Incluso hoy, me he perdido en la admiración de esta historia del arte del siglo XX. Creo que es el mejor libro de arte que he leído. Está lleno de ideas y frases que refrescan como un chorro de agua de mar. Observar París desde la Torre Eiffel en 1889 fue "uno de los pivotes de la conciencia humana". El fonógrafo era "la extensión más radical de la memoria cultural desde la fotografía". Cézanne "te lleva entre bastidores". En la pintura cubista, el mundo era "una piel de sombras que estremece". "Las máquinas eran la metáfora ideal para esta fantasía pornográfica central del siglo XIX, violación seguida de gratitud." "Para hacer arte "socialista", hay que dejar de representar cosas que le pertenecen: en resumen, ir a lo abstracto." "La idea de que el fascismo siempre ha preferido lo retrógrado al arte avanzado es un mito." "Este libro es la versión aumentada en 1991 de la serie de televisión de 1980. Avanza la historia en varios temas importantes - cómo el arte es confrontado o absorbido por el poder; lo que la arquitectura piensa que nos hace a nosotros; los paisajes internos del arte como el surrealismo y la abstracción; y cómo el arte ha perdido cualquier tipo de trama que pudiera haber tenido, y si eso podría ser algo bueno.Abrí los ojos al azar y me encontré con p 382: Duchamp inventó una categoría que llamó "infra-delgada", "subminúscula"; estaba ocupada, por ejemplo, por la diferencia de peso entre una camisa limpia y la misma camisa que sólo se usaba una vez. Pero no puedes tenerlo todo.
Mi historia favorita sobre el arte moderno viene de mi amigo. Voy a dejar que lo cuente: un día estaba en el Museo de Arte Moderno, ya sabes, caminando por ahí y todo eso. Entré en una habitación y vi esta cosa en la pared, y se veía muy raro. Así que me incliné y empecé a mirarlo. Había otro visitante, que también empezó a mirarlo. De repente, la pared se abrió y salió un hombre. El otro visitante y yo nos miramos y nos reímos. Era la manija de una puerta. Me encanta esta historia porque resume cuántos de nosotros nos sentimos en los museos dedicados al arte moderno. Aquí estamos, rodeados de objetos e imágenes que son alternativamente confusos, confusos, aleatorios, extraños, aburridos, interesantes, feos, bellos, o cualquier combinación de los anteriores. No sabemos lo que estamos viendo o cómo mirarlo; y sin embargo se nos pide que lo tratemos con gran seriedad y respeto. Algunos se enfadan y lloran la muerte del arte; otros escriben a críticos de arte, muchos de los cuales son igual de incomprensibles; a otros les encanta; los ricos sacan sus billeteras y hacen inversiones deducibles de impuestos; y muchos de nosotros hacemos lo que nos plazca. Toda mi vida he estado en este último campamento. Pero como quería apreciar mejor a Reina Sofía aquí en Madrid, decidí que en el siglo XX tenía que interesarme por las artes visuales. Este documental - y sólo vi el documental, aunque planeo comprar el libro - resultó ser la solución a mi ignorancia. The Shock of the New es una serie de ocho documentales escritos y presentados por Robert Hughes. Aunque considerablemente más corto que la Civilización de Kenneth Clarke, una cantidad asombrosa de información está contenida en este programa. Hughes nos introduce al art nouveau, art deco, cubismo, primitivismo, futurismo, dadaísmo, constructivismo, fauvismo, utopía, surrealismo, expresionismo abstracto, arte pop, op art, mu. Esta rápida gira es una mezcla de la aguda crítica de Hughes y un sentimiento de tristeza de los años 80. Hughes señala repetidamente cómo las esperanzas de los artistas modernos de cambiar el mundo han resultado inútiles, y termina el programa proclamando la muerte de las vanguardias. Para Hughes, el arte (y se refiere a las artes visuales de alto nivel) ha fracasado por completo en su intento de llegar a ser socialmente significativo en la era moderna. Este es el punto más conmovedor de su episodio sobre arquitectura moderna. Toda una escuela de arquitectura nació en el siglo XX con el sueño de convertirse en ingeniero social. No diseñaron edificios para individuos, sino utopías planificadas. Diseñaron complejos de viviendas para cambiar la forma en que la gente vive sus vidas; los habitantes eran sólo pequeñas partes intercambiables de la gran visión del arquitecto. Muchos gobiernos están poniendo en práctica estas ideas con la esperanza de curar la pobreza. El resultado han sido lugares como Pruitt-Igoe, el famoso proyecto inmobiliario de Saint-Louis. El proyecto ganó premios durante su construcción, pero en un corto período de tiempo, el sitio se hizo famoso por los altos niveles de pobreza y crimen (sin mencionar la segregación racial) sufrida por sus habitantes. Al final, la situación se deterioró tanto que los edificios quedaron destruidos. En palabras de Hugh: Nada es más rápido que las fantasías de la gente sobre el futuro. [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...] [...]
Los primeros episodios de este libro -por cierto, lo he visto, pero voy a tener que conseguirlo ahora- son casi totalmente una estafa para la obra de Walter Benjamin, especialmente para su Arte en la era de la reproducción mecánica. Lo moderno ha estado tan dominado por las máquinas y la cuestión de cómo se relacionan las máquinas con los seres humanos es una cuestión abierta que sigue acechando nuestras pesadillas. Las películas matriciales son un ejemplo particularmente interesante. Pero la historia de esta pesadilla es mucho más antigua y no se limita al teatro ni a la representación artística. Que pueda responder a imágenes que he presenciado durante unas semanas, que haya visto intermitentemente en YouTube, y luego escribir esto en una pantalla de mi portátil proyectada en una pantalla más grande, recientemente decidí que tenía que trabajar y hacer todo esto escuchando el Réquiem de Mozart es casi demasiado raro para las palabras. Nuestra relación con las máquinas de hoy puede ser demasiado difícil para que podamos entenderlas demasiado bien. Y las máquinas ya no son las cosas que han dado una estructura rítmica o metronómica estricta a nuestra vida profesional en las fábricas. No, hoy en día la diferencia entre el hombre y la máquina es cada vez más difícil de reconocer, más difícil de entender, más difícil de separar de ella... En esta obra, como en Les voies de la vue, se nos dice que la reproducción mecánica barata de obras de arte, como la que ofrecen la cámara, la prensa escrita, la televisión, la imagen del ordenador, todo ello devalúa el arte, son zombis de la verdadera obra de arte. Devalúan el arte no sólo por la razón obvia de que el arte nos llega hoy en día, en lugar de obligarnos a hacer peregrinaciones para colocar nuestros cuerpos con la propia fisicalidad de la obra, sino porque la propia abundancia de imágenes que tenemos, la multiplicidad de reproducciones en todas partes a nuestro alrededor, hacen de estas imágenes un virus virtual. ¿Es posible imaginar a una sola persona en el mundo desarrollado hoy en día que nunca haya visto la Mona Lisa? Pero hace apenas 250 años, ni siquiera una peregrinación habría sido suficiente para garantizar ver la mayoría de las obras de arte que hoy "sabemos cómo mirar", aunque no sepamos casi nada más de ellas. Algunas de las partes más interesantes de este trabajo son aquellas en las que Hughes discute temas relacionados con la publicidad y cómo el arte ha encontrado formas de relacionarse con ella (piense en Andy Warhol aquí primero) o cómo el espacio y la construcción de espacios "humanos" en la arquitectura, por ejemplo, se han realizado y expresado en el modernismo. No hay mucho consuelo en esta historia. Gran parte de la arquitectura no es realmente humana en absoluto, sino más bien un canto de alabanza a la humanidad como hormigas obreras. Hay una hermosa parte de esta sala donde se nos muestran sillas en las que se supone que ningún vagabundo humano debe sentarse. Afilada y poco práctica, la silla tiene una forma platónica, como un monumento de líneas puras, aunque las espaldas sean dolorosas. Pero es en el último episodio que esta serie está en su mejor momento. Muchos otros son introducciones más o menos rápidas a las obras y pensamientos de varios artistas y escuelas de arte. Pero en el último episodio, Hughes señala que el arte de hoy está plenamente arraigado en el capitalismo. Integrado en el sentido de que el arte es la estrategia de inversión definitiva. Y si algo sabemos es que todo tiene su precio, incluida la experiencia estética. (Por cierto, estoy en la Lacrimosa en el Réquiem) ¿Qué esperar si una obra de arte tiene un precio? Por supuesto, es raro y tiene deseo (las dos cualidades que el capitalismo manipula, según Hughes, para hacer del arte un objeto de inversión y acumulación de valor apropiado), pero ¿cuál es la relación entre arte, dinero y valor? Hughes hace la inquietante observación de que es casi imposible mirar una obra de arte hoy en día sin preguntarse lo que alguien como Gina Rinehart podría pagar por ella. Por supuesto, la idea de que Gina Rinehart compre cualquier tipo de arte es inquietante, pero también es que esta gente compra arte, no para sí misma, sino porque es una buena idea financiera, también cambia la forma en que vemos el arte, pero ¿no es una contradicción en los términos? ¿No empezamos diciendo que lo más evidente en el mundo actual es la devaluación de las obras de arte? ¿No dijimos que hoy tenemos un cuasi-comunismo de imágenes, casi gratuitas y sobreabundantes? ¿Cómo pueden estar las imágenes en el
La mayoría de los otros críticos lo dicen todo - este pesado y caro libro fue el texto principal de mi curso de arte moderno en la universidad, pero el chico lo valió. Hughes es un historiador y crítico tan sucinto y perspicaz - toma temas complicados y no sólo los examina, sino que los desempaca y los ilumina. Junto con la serie original de la BBC, seguramente aprenderás algo que no sabías, descubrirás algo que no sabías que amabas, finalmente entenderás por qué odiabas otra cosa, y quedarás deslumbrado y algo triste por la importancia que el arte tenía en la vida de la gente. Un libro asombroso - ¡deberían hacer que todos los estudiantes de secundaria lo lean!
Un libro brillante para terminar mi desafío este año, Hughes tiene una manera de explicar temas culturales complejos que están cerca de mi corazón y que tienen mucho sentido. Sin embargo, él tiende a usar oraciones y giros de oraciones en francés, italiano o latín y espera que los lectores las conozcan, yo tuve que usar Google Translate, y a menudo todavía no tenían ningún significado. Oh, y es bastante obvio cuando no le gusta un artista personalmente, porque su análisis tiende hacia el lado "Supongo que este artista tiene algún mérito, si estás loco" del espectro. Pero estas son las únicas críticas que puedo hacer a un libro maravilloso y maravilloso. Citaré ahora una larga parte del final del capítulo dos porque es tan hermoso: "Parece obvio, en retrospectiva, que los artistas de la Rusia alemana de Weimar y Leninista vivían en un paisaje mediático amortiguado que era menor que el nuestro, y su recompensa era poder seguir creyendo, de buena fe y sin exageración, que el arte podía influir moralmente en el mundo. Hoy en día, la idea ha sido ampliamente rechazada, como debería ser en una sociedad de medios de comunicación en la que el papel social principal del arte es el de ser un capital de inversión o, de la manera más simple, un lingotes. Todavía tenemos arte político, pero no tenemos arte político efectivo. Un artista debe ser famoso para ser escuchado, pero a medida que gana notoriedad, su obra acumula "valor" y se vuelve, ipso facto, inofensiva. En cuanto a la política actual, la mayoría del arte aspira a la condición de la música de Muzak. Proporciona el zumbido de fondo para la energía. Si el Tercer Reich hubiera durado hasta hoy [ finales de la década de 1980, como escribe Hughes], los jóvenes del Partido Interior no estarían interesados en los viejos holgazanes como Albert Speer o Arno Breker, el escultor monumental de Hitler; estarían haciendo cola para ver sus retratos serigrafiados por Andy Warhol. Es difícil imaginar una obra de arte que pueda decirse que ha salvado la vida de un judío, un vietnamita, un camboyano. Libros específicos quizás; pero hasta donde se puede juzgar, no hay pinturas ni esculturas. La diferencia entre nosotros y los artistas de la década de 1920 es que pensaban que se podía hacer una obra de arte así. Tal vez fue una cierta ingenuidad lo que les hizo creer eso. Pero ciertamente es nuestra pérdida la que no podemos".
La biografía de Hughes sobre el arte moderno y su diálogo con una cultura en auge está siempre del lado de los radicales en contra del status quo, con sus opiniones y su carga política. Critica severamente a la academia y al establishment, así como a los regímenes regresivos, movimientos y críticas. El choque de lo nuevo ha sido una parte extremadamente importante de mi educación, ayudándome a familiarizarme con los movimientos del modernismo y con el trabajo y las perspectivas de muchos de sus protagonistas. Me dio la seguridad de mirar a un Rothko sin miedo y de hablar de esta experiencia con pasión. El placer que experimenté más tarde al ver, compartir y discutir sobre el arte se debe en gran parte a Hughes.

Información de la editorial

GALAXIA GUTENBERG

Galaxia Gutenberg nació en 1994 para distribuir en las librerías los libros exclusivos creados por Círculo de Lectores. A lo largo de los años, ha adquirido una dinámica propia basada principalmente en las colecciones de Poesía, Obras Completas y Libros Ilustrados. Esta dinámica se ha acentuado desde el año 2004, cuando fue dirigida por Joan Tarrida, Director Editorial del Círculo de Lectores. Han nacido colecciones de cuentos, ensayos, biografías y testimonios, mientras que las colecciones existentes se han consolidado con proyectos emblemáticos como la edición de la Divina Comedia de Dante, con ilustraciones de Miquel Barceló, o la edición conmemorativa del V Centenario de la publicación del Quijote de la Mancha, dirigida por Francisco Rico. A finales de 2010, la editorial fue adquirida por Joan Tarrida, junto con un grupo de accionistas, y quedó completamente desvinculada del Círculo de Lectores. Desde entonces, Galaxia Gutenberg ha incluido en su catálogo editorial un gran número de autores españoles y extranjeros consolidados, a la vez que ha apoyado a nuevas voces. Hoy en día, más de 350 autores confían en Galaxia Gutenberg para la publicación de sus libros, entre los que se encuentran siete Premios Nobel, doce Cervantes y dieciséis Príncipes de Asturias.
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