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PABLO PICASSO 1881-1973: PRIMERA PARTE OBRAS 1890-1936 carsten-peter-warnckle
Titulo
PABLO PICASSO 1881-1973: PRIMERA PARTE OBRAS 1890-1936
Idioma
Castellano / Español
Categoria
Arte
Editorial
TASCHEN BENEDIKT
Paginas
248
ISBN
3822812552
Comentarios
6
Fecha
Etiquetas
Arte, Pintores y escultores, Artistas contemporáneos
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Descripción y Resumen

"Quería ser pintor y me convertí en Picasso", dice Pablo Picasso (1881-1973) en un estudio relevante de una carrera exitosa. Tenía buenas razones para la palpable confianza en su declaración, porque en la historia del arte del siglo XX, su nombre destaca entre todos los demás. En sus pinturas, dibujos, litografías, cerámicas y esculturas, Picasso fue incansablemente inventivo e innovador, demostrando una valentía estética que le permitió estar un paso por delante de sus contemporáneos. Desde el tema de las nuevas formas y técnicas hasta los nuevos medios, Picasso llegó primero. La enorme producción del artista español, desde los inicios del niño de ocho años hasta el trabajo tardío de un hombre de noventa y un años, es sin duda una de las más diversas y creativas de la historia del arte, y no es exagerado pensar en ella como el genio del siglo. El estudio de Carsten-Peter Warncke es un examen exhaustivo de toda la obra de Picasso, desde los primeros períodos de Azul y Rosa, pasando por el cubismo analítico y sintético y la fase clasicista, hasta el arte del viejo Picasso salvaje. Nuestro estudio de Picasso, el documento más exhaustivo de su obra hasta la fecha, contiene cerca de 1500 ilustraciones, desde sus primeros dibujos hasta la última pintura del maestro. Amplia sección bibliográfica y una sección ilustrada sobre la vida y obra de Picasso.

Información sobre el autor y escritor

Opiniones de los lectores

La caída de Ícaro, 1958 El libro del historiador de arte Carsten-Peter Warncke sobre Picasso es un examen en profundidad de la obra del artista de principio a fin, en siete capítulos vivos: La leyenda de Picasso, Los primeros años 1890-1901, Los periodos azul y rosa 1901-1906, Cubismo 1906-1936, Clasicismo y surrealismo 1916-1936, Guerra, arte y política 1937-1953, Hombre y mito 1954-1973. Como se trata de una crítica y no de un libro, me limitaré al último capítulo, la última fase de la vida y obra del artista, Picasso, de entre 73 y 92 años, una fase que me parece especialmente apasionante. He aquí algunas citas del famoso historiador de arte El hombre y el mito 1954-1973 y mis comentarios: "Desde finales de los años cincuenta, la obra de Picasso se basó generalmente en material personal y repitió constantemente sus propios motivos y composiciones. ---------- La violación de Sabine es un buen ejemplo. Cualquiera que esté familiarizado con Picasso identificará muchos aspectos familiares en este trabajo: la apariencia inmediatamente reconocible del caballo, la cabeza levantada y aullante, la cabeza y el cuerpo retorcido y multidimensional de la mujer acostada. Personalmente, tuve varias oportunidades de ver esta obra maestra en el Museo de Bellas Artes de Boston. Al igual que con las otras fotos que he incluido aquí, una pequeña reproducción no hace justicia al lienzo actual (195 x 130 cm o aproximadamente 6 pies de alto y 4 pies de ancho). Un encuentro directo con este Picasso es a la vez sorprendente y humilde. The Rape of the Sabine Women, 1963 "A Picasso no le importaba mucho reflejar el mundo exterior. En vez de eso, tomó su propio trabajo como el centro del universo creativo". ---------- Con Claude Drawing, Françoise y Paloma, la atención de los tres - mujer, niña y niño - se centra exclusivamente en el proceso de dibujar al niño sobre el papel. Una representación tan tierna, el brazo alrededor de la niña, cada niño recibió su propio rectángulo de colores brillantes, la presencia del apoyo de los adultos y la apariencia del papel. Y, con su dibujo, Claude es tan tranquilo, tan introvertido, como si su boceto fuera una extensión de su confianza y ternura. Tengo la impresión de que Claude puede representar a Picasso volviendo a su propia visión juvenil de lo que significa ser un artista creativo. Claude Dessin, Françoise y Paloma, 1954 "En la pintura del 30 de marzo de 1956, Picasso utiliza un dispositivo simple pero espiritual para resaltar su propia inventiva creativa, colocando en el centro de la escena del estudio un lienzo fresco y virgen que espera al artista. El espacio puro, blanco y vacío contrasta con el resto de la imagen y es también el sujeto principal". ---------- Además de lo que Carsten-Peter Warncke señala aquí, Picasso logra, mediante una inversión del color, mucho de lo que el artista Kazimir Malevich logró con su Black Square, por ejemplo, una pintura (el lienzo blanco vacío) que no es específicamente una cosa. El estudio de "California" en Cannes, 1956 Black Square de Kazimir Malevich "Llamar al personaje futbolista es un juego de manos. El truco sólo se hace plausible con la camisa pintada, los pantalones cortos y las botas. Esta escultura no se concibe como una representación mimética de la realidad, sino como un juego con los fundamentos de la experiencia visual. Y el engaño es el principio fundamental de este arte". ---------- De hecho, veo muchos elementos de baile en los atletas que juegan fútbol y otros deportes. Con esta escultura, a través de su genio visual y su magia creativa, Picasso capta la esencia misma del movimiento fluido en un jugador consumado en el campo. Jugador de fútbol, 1961 "La imagen en una imagen era uno de los motivos tradicionales de Picasso; a través de ella, nos da acceso a la esencia misma del proceso creativo. Picasso nos muestra su poder. Puede hacer un mundo de la nada". ---------- Lo que más me gusta de esta pintura (un lienzo enorme, de ahí mi segunda foto aquí): la curvatura del sombrero amarillo del artista, la increíble belleza del modelo capturado en los grandes ojos españoles de Picasso y el largo pelo negro y cómo la intensidad de la mirada del artista se transmite directamente a su pincel y finalmente al lienzo asimétrico. Pintor y su modelo, 1963 "En la vejez, Picasso transfirió a su arte la tarea de expresar la vitalidad que emanaba de su vida. Así, por ejemplo, las nuevas obras gráficas que, cuando han tenido éxito, han articulado las fascinaciones de toda una vida de una manera sucinta e impecable. Todos los grabados son grabaciones precisas de escenas cuidadosamente observadas, usando sólo unos pocos trazos y trazos, hechos rápida pero perfectamente". ---------- Para mí, estas estampas y caricias dispersas me recuerdan al pei.
Picasso era un genio, pero es tan decepcionante que la mayoría de la gente no entiende lo que hizo, así que la mayoría de las veces hablan de los períodos azul y rosa, que eran sólo ejercicios, si quieres ver el color de Matisse o Chagal, Picasso es todo acerca de la forma y cómo puede explorar el continuo espacio-tiempo a través de él, comienza con Cézanne, verás las primeras imágenes de lo que Picasso finalmente logró con el "puto Aviñón de Avignon" y el rompecabezas empezará a conectar, es la forma en que cree que te admiran, sus pinturas son un juego mental pero hay una verdad en ella, a diferencia de Dalí que sólo hacía pequeños trucos de magia, Picasso se dio cuenta de que hay un lenguaje geométrico universal aún por descubrir, créeme, hay mucha ciencia escondida en sus pinturas, las matemáticas son ciertamente una, sus retratos son las focas humanas.
Taschen es mi editor de libros de arte favorito. La calidad es muy buena. Usted nunca tiene que preocuparse de si las pinturas están impresas en color o no. Es un libro muy grueso que contiene dos volúmenes en uno. Es un libro grueso del tamaño de una mesa de café. El biógrafo nos da una visión superficial pero hábil de la vida de Picasso y de sus diferentes períodos artísticos. Me pareció que ofrecía una buena visión general y, sobre todo, una colección completa de sus obras. Algunas de las obras se imprimen más pequeñas, pero la mayoría de ellas cubren toda la página. Si eres un fan de Picasso, es una necesidad para tu biblioteca de arte.
Mother and Child, 1921Art Institute of ChicagoNo puedes equivocarte con los libros de arte de Taschen. Picasso es sin duda el artista más destacado del siglo XX, con sus numerosas reproducciones de la larga y prestigiosa vida de Picasso. Ha cambiado su arte. No puedo decir que Picasso sea mi pintor favorito, algunas de sus obras me parecen infantiles y repetitivas, el texto de este libro no tiene casi nada que decir sobre detalles biográficos -sobre sus esposas y amantes- ni sobre sus hijos. Las dos guerras mundiales se mencionan como si fueran acontecimientos lejanos, aunque Picasso viviera en París. El libro se interesa principalmente por la voluminosa producción de Picasso y está demasiado intelectualizado. Les Demoiselles d'Avignon, 1907Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Nacido en Málaga, España, en 1881, Pablo Picasso se convirtió en uno de los artistas más grandes e influyentes del siglo XX y en el creador (con Georges Braque) del cubismo. Pintor, escultor, grabador, ceramista y escenógrafo expatriado español, Picasso fue considerado un artista radical en su obra. Después de una larga y prolífica carrera, murió el 8 de abril de 1973, en Mougins, Francia. Pero la obra de Picasso sigue siendo inmensa y la leyenda sigue viva, un homenaje a la vitalidad del español "perturbador" de ojos "oscuros" que supersticiosamente creía que el trabajo lo mantendría vivo. Durante casi 80 de sus 91 años de existencia, Picasso se ha dedicado a una producción artística que ha contribuido significativamente al desarrollo del arte moderno en el siglo XX, en paralelo con él:
Picasso dijo que a los 8 años pintaba como Velázquez y que a los 60 años o más tarde quería pintar como un niño. Tenía razón: todos somos artistas natos, pero la sociedad, el proceso de socialización que cose en clase / género / raza en todas sus dimensiones, nos lo quita. Por eso está Picasso y el resto de nosotros. El superhombre, el superpintor, el superpintor, el superpintor es el resultado de mayorías inadecuadas. Pero esto puede y ha cambiado. Disciplina, imaginación, trabajo duro, recursos para sobrevivir y prosperar y darte acceso a pinturas, lienzos y entrenamiento - para que casi cualquier persona pudiera ser su propio Picasso - Picasso fue una magnífica imaginación intrépida al asumir o describir su mundo interior y los problemas. Contradictorio y cultural, brillante y masculino, los colores desbordantes, las clases y los choques de Picasso, comprometido a cambiar el mundo a través de su pintura -aunque no estés de acuerdo- sus logros, su obra ha transformado para siempre lo que todo el mundo podría considerar arte. Picasso es el mundo del arte, Jimi Hendrix en el mundo de la música eléctrica ladyland. Individuos como estos dos, en particular, están todavía lejos y casi cósmicos de todos nosotros, que incluso en nuestro frenesí de ser originales aprendiendo de ellos, incluso copian sus errores sin saberlo. Este volumen se abre con el maestro de Picasso, "Guernica". Gernika era una ciudad vasca, un lugar sagrado considerado uno de los lugares de origen del pueblo vasco, que fue bombardeado hasta las cenizas y la historia durante un bombardeo de unas tres horas por la Legión Cóndor, utilizando las fuerzas aéreas fascistas alemanas, italianas y españolas para destruir Gernika. La destrucción de Gernika tuvo lugar en abril de 1937, en enero de 1937, cuando el gobierno republicano español encargó a Picasso que pintara una obra de arte para la sala de exposiciones del pabellón español en la inauguración de la Exposición Universal de París ese verano. Originalmente, Picasso comenzó un trabajo centrado en el artista y su estudio, su barricada, su trinchera, su primera línea (metafórica y real) en la lucha contra el fascismo. El año anterior, tras el inicio de la Guerra Civil española en julio de 1936, el Gobierno republicano español le había nombrado director del famoso Museo del Prado de Madrid. Picasso siempre había sido partidario de la República Española y, aunque era director honorario del Prado (vivía en París), accedió a demostrar al mundo su afiliación y su compromiso con la democracia y contra el fascismo, conociendo la brutalidad del levantamiento franquista mucho antes de Gernika. Por ejemplo, en marzo de 1937, Durango, otra ciudad vasca, también fue destruida por bombardeos aéreos. Luego tuvo lugar la destrucción de Gernika, un lugar sagrado vasco. Picasso comenzó a pintar Gernika el 1 de mayo y a principios de junio, sólo cinco semanas después, había terminado la obra maestra que todos hemos terminado de asociar de una forma u otra con la guerra aérea moderna: es la versión utilitaria de Gernika, una pintura que denuncia un crimen de guerra fascista. Sin embargo, hay infinitos aspectos de esta obra maestra. Los trabajos preparatorios, bocetos, pinturas, dibujos y otras obras que Picasso desarrolló y en las que se basó son en sí mismas obras maestras menos conocidas. Picasso, por ejemplo, utilizó el tríptico, que se había convertido en un vehículo milenario para los pintores de la pintura cristiana (la "santa trinidad", los marcos eurocéntricos de tesis/antitesis/síntesis), no sólo para representar a Gernika, sino para ir más allá y alcanzar otro simbolismo y nivel de arte universal. La pintura tuvo un apoyo masivo, debido a la indignación mundial contra el levantamiento fascista en España y su uso para organizar el apoyo a la cultura española y a la República. Picasso también habría decidido utilizar sólo el negro, el blanco y el gris, porque se reproduciría mejor como tarjeta postal y póster, donde la impresión en color era aún más cara y su distribución más limitada. Además, se dice que el escritor español José Bergamin (puede que tenga al escritor equivocado) tenía el único elemento de color que estaba en los borradores de la Gernka - una estrella roja - que Picasso decidió en contra y quitó (un elemento de collage - Picasso usó una técnica que aprendió de su padre, la de colocar tela, papel y otros medios en la pintura misma antes de pintar en color o elemento para experimentar y ver cómo sería el nuevo elemento o el color de los contornos o el contraste). Mientras estudiaba a Picasso, aprendí cómo los pintores "modifican" su obra, un poco como los escritores: arañan o borran palabras, ima

Información de la editorial

TASCHEN BENEDIKT

Taschen es una editorial fundada por Benedikt Taschen en Colonia (Alemania) en 1980, centrada en publicaciones en los campos del arte, el diseño, la arquitectura, la fotografía y el cine. El más joven de los cinco hermanos, Benedikt Taschen, comenzó en el negocio a la edad de 12 años, cuando empezó a vender cómics de segunda mano en su casa. A la edad de 15 años, era financieramente independiente y a los 18 años abrió una tienda, Taschen Comics, en Colonia. No fue a la universidad, ya que pronto empezó a publicar sus propios cómics.
CARSTEN-PETER WARNCKLE